Droninga Presenta: Ondas eléctricas de resistencia a través de las pantallas mentales de la tierra-

María Acrich
9 abr 2021
7 Min. de lectura

“Voces incorpóreas y desapasionadas, con distintos grados de terror y de resignación”.

(Ray Bradbury – El hombre ilustrado-1955)

Droninga es el proyecto musical que nace en 2012 producido por Facundo G. Aguirre, músico electrónico experimental, artista multimedia que trabaja en el campo de la música experimental explorando la acción creativa de una manera directa. En sus puestas sonoras alterna piezas basadas en grabaciones ambientales junto a la manipulación de distintas fuentes sonoras, utilizando el sonido cotidiano como principal elemento estético-expresivo.

Su obra consta de una honestidad y opulencia en la composición utópica, desapegada que transmite una excelente apreciación de todo y de todos los que te rodean, a la vez haciéndote sentir completamente aislado.

En su último disco llamado Ondas eléctricas de resistencia a través de las pantallas mentales de la tierra, montado durante el año 2020, donde el músico se adentra en el mundo de la novela Nova Express de William S. Burroughs incorporando fragmentos del escritor traducidos a código morse.

En la producción del disco se usaron cajas de ritmos, software libre, sintetizadores de baja calidad, field recording, celulares olvidados.

Ondas eléctricas de resistencia a través de las pantallas mentales de la tierra se lanzó oficialmente en abril de 2021 editado por el Sello Discográfico NTN discos.

“La música concebida para no ser escuchada” frase que se encuentra en la biografía del disco e-NTNT Serie 01 – Müzax (MxTDA&H rmxs) compilado de remixes editada por el sello NTN, realizada por artistas tales como Nonoise79, Verónica Daniela, Gustavo Obligado, GMC, NHI, Juan José Calarco, Dr. Lee. Su anteúltimo disco originalmente llamado dR0n1n6a - MxTDA&H editado en 2019 por el Sello Estética del Registro.

Traigo a colación ese fragmento porque Droninga logra poner en juego temáticas que parecen diarias, pero no lo son, propone un intento de demostrar el valor que supone trabajar el conjunto de criterios de acción en que derivan diversas vanguardias del siglo xx como el futurismo, dadaísmo, surrealismo.

Utilizando como marco las teorías de singularidad tecnológica y el fin de los tiempos, además de sistematizar y descentrar su circulación social.

Se intenta romper con la idea de obra en proceso “work in progress”, instalación efímera.

Propone la creación de un lenguaje post-vanguardia que se manifiesta a través de hechos simples y directos que permitan colectivizar el sentido de la obra de acuerdo a la subjetividad del oyente.

Utopía, Ilusión dentro de ilusión la idea del NO lugar cuya existencia, deseable o no, es a voluntad de los que quieren que así sea.

Lo que me gustaría saber es: ¿Cuál fue tu primer contacto con el Arte, el primer contacto con algo artístico que te impactara?

Personalmente, mi primer contacto fue con las letras, de muy chico fui un ávido lector, inicialmente mucha fantasía y ciencia ficción clásica (E. Salgari, M. Twain, J. Conrad, J. Verne, H. G. Wells, etc), mucha poesía después, más que nada influido por mis primeras escuchas (Sumo, Virus, The Doors). Poder leer en los recreos de mi paso por un colegio industrial libros como “Viaje al fin de la noche” de Celine y después llegar la obra de Borges y Cortazar en combinación con mucha escucha radial nocturna (los que vivimos en provincias sabemos de este efecto), fue determinante en conocer un elemento de creación tan poderosamente simple y al alcance de la mano como la palabra dicha y escrita. Después las derivadas del caso me fueron llevando a escribir, pequeños relatos primero, algunos versos después y querer luego montar esto sobre canciones para finalmente, luego de llevarme por delante a John Cale y The Velvet Underground en algún momento, meterme de lleno en eso tan inasible que es el sonido y su significado.

¿Qué buscas crear con Droninga?

El proyecto arrancó en 2012 realizando instalaciones multimedia inmersivas a la vieja usanza, por decirlo de alguna manera, sitios falsamente liberados que intentan desarrollar una idea no muy clara pero estéticamente atractiva en comparación con el entorno en donde ocurren. De allí se paso a una época documentalista muy autorreferencial en la que, utilizando la estructura del sello Amaurota Ediciones , se creó una suerte de camino sonoro invertido que conducía a esas primeras acciones, un archivo de derivas olvidadas en la acumulación del trabajo sin sentido que realice durante años de composición autodidacta en computadoras. Actualmente es todo un poco más comprensible hasta cierto punto, al menos en el registro de la obra (un disco atrás de otro y así), aunque no sé si tanto en la metodología de la misma que continua tan caótica e intrascendente como siempre.

¿En que tipo de camino nos introduce Droninga?

“Droninga” inicio como un mero juego de palabras al combinar la idea de “drone” (esas pequeñas porciones de sonido que repetidas dan idea de continuidad) y el sufijo estéticamente denigratorio “-inga”, un poco para trabajar con la cercanía que provoca la denostación de un genero de elite en la cultura popular y otro poco ante cierto exceso de posmodernismo en las minorías intensas que se mueven dentro del ámbito de la experimentación artística. Partiendo de ese concepto, es un obvio intento más de desacralización del arte desde su misma base de acción, también una suerte de ruptura con la complejidad supuestamente necesaria para generar obra en la contemporaneidad. Porque no necesariamente “menos es más”, está comprobado que hasta “nada” es perfectamente compatible con la idea, solo que, bueno, todo se torna menos estable ahí. Al fin y al cabo, una vez que a mediados de la década de 1960 el conceptualismo y la performática cerraron el ciclo de las vanguardias históricas convirtiendo a la vida en arte, literalmente, en el medio la pérdida del romanticismo utópico que implico la historia de la primer mitad del SXX, sumado al avance del capitalismo en el occidente desde el cual miramos el mundo, nos arrojo en el paramo iluminado de neón que nos encontramos casi todos ahora, incluso desde hace más tiempo del que creemos: el mercado del arte.

¿Consideras que actúa eso llamado inspiración a la hora de trabajar en el proyecto?

La idea de inspiración en una obra es algo que juega, al menos en mi, entre el hecho de

advertirla y no, entre la tensión de lo original y lo no dicho. Es decir, ante la evidente sensación de que ya casi todo está hecho o imaginado previamente y la lectura cuasi-paranoica que la aceleradísima cultura moderna en la que vivimos imprime a toda acción de carácter artística, la decantación por el lado material del reconocimiento (monetario, social, histórico, etc.) expone a todo efecto y su causa a sus deseos más trascendentales: ¿A dónde queremos llegar con todo esto? ¿Inspiración es satisfacción? ¿Es esto algo inevitable? No sé si para las dos primeras preguntas tengo respuesta pero si para la ultima: no podemos evitar hacer lo que hacemos una vez que ya está hecho, si lo sabíamos de antemano, la inspiración es solo un malentendido.

Existe un concepto alternativo cultural en movimiento (conceptos visuales, sonoros, de composición y ejecución) Interactuando en el mal llamado under, ya que esta siempre en la superficie. ¿Pensás que hay un concepto real y dominante?

Con respecto a la idea de “under” en el arte, mas allá de cada escena especifica, hay

una intensión depredatoria del mercado artístico imperante en su misma denominación. Es la metáfora del sembradío que dará sus frutos para regocijo de quien supo abonar correctamente ese “suelo” bajo el cual crece aquello que vera la luz del reconocimiento luego de sobrevivir junto a otros almácigos cual yerba buena o yerba mala que no puede nombrarse a sí misma. Mientras tanto, todo ecosistema artístico antes de su legitimación es maravilloso en sola variedad, producto de sus múltiples y diversas intenciones, la búsqueda del sentido hace muchas veces lo contrario a lo que se cree ocurre cuando algo abandona su caos primigenio , de tan claro que es, ya no tiene gracia. Esto quizá lo hace tan apreciado en una góndola.

¿Qué te llevó a querer utilizar fragmentos del libro "Nova Express" de William S. Burroughs?

“Expreso Nova” fue el primer libro de Burroughs que leí, es básicamente un viaje a ningún lugar contado muy fragmentariamente, un manifiesto anti todo pasado por una picadora de papel y armado nuevamente con la precisión de un rompecabezas que nos muestra lo que queramos ver en él, cual espejo roto personalizado. Lo había extraviado de alguna manera que ya no recuerdo, hace poco y como parte de una compra masiva de libros, conseguí nuevamente una copia a un precio módico. Repasándolo, casi al azar encontré la frase “Ondas eléctricas de resistencia a través de las pantallas mentales de la tierra”. Reflejaba tan perfectamente el momento en que me encontraba con respecto a estas pistas que se habían acumulado durante el 2020, sin destino ni sentido, como meros reflejos de un tiempo perdido en sí mismo, una visión del futuro que nos llegaba de un pasado que ni siquiera nos tenia en cuenta para su presente. El acto seguido fue hojearlo y anotar las que mas me llegaban para asociarlas a cada track sin detenerme nunca a ver su sentido sino a crearlo en la sola conjunción del título y la pista.

Genesis P-Orridge lider de la banda Throbbing Gristle hablaba de la técnica cut-up (cortar y pegar) de forma aireada de Burroughs en su composición. ¿Qué hay de esto en referencia a tu último disco?

El disco puede considerarse perfectamente un no-disco, al menos en su concepción clásica. La metodología de trabajo aplicada fue básicamente tener todas las partes del sistema al alcance de la mano para reensamblarlo de diversas maneras cuando las circunstancias lo permitían. Siempre, y más últimamente luego de ser padre, tuve un problema con el tiempo para desarrollar mis proyectos, la fantasía de que no alcanza o que los medios usados no pueden aprovecharse en el disponible, me demoraba permanentemente en cualquier idea mínimamente organizada que quisiese aplicar al sonido. El cut-up, con su combinación de ruptura e inmediatez de sentidos, fue esencial en la creación de los sonidos y su posterior conceptualización al mezclarlos con los títulos en señales sonoras de código Morse. Las improvisaciones que dieron origen a las bases tenían una duración de entre 7 y 15 minutos, de acuerdo al interés o intensidad que me provocaban mientras las realizaba, de allí extraje de cada una los tres minutos centrales sin tener en cuenta mas que su ubicación en el espectro. Algo parecido ocurrió con la tapa de portada y la propuesta a NTN, todo fue tan repentino, es como si todo encontró su lugar solo y luego ya, así quedo.